拍摄朦胧油画风景图片,拍摄朦胧油画风景图片大全

1. 拍摄照片的时候，如何拍摄出朦胧之美？
2. 对着照片画油画是种什么体验？

拍摄照片的时候，如何拍摄出朦胧之美？

个人的两个技巧：

1、可以把正确曝光比作装满一桶水，那么光圈就是水管，光圈有大小就代表水管的粗细，只是光圈数值越小代表口径越大（佳能就有焦距50mm 光圈1.0的大口径镜头）。快门就是水管放水的时间长短（一般相机上快门时间从几千分之一秒到30秒、B门）。要装满一桶水，可以用粗水管、短时间，也可以用细水管、长时间，对相机来说也就是大光圈、高速快门和小光圈、低速快门。当然，数码相机还可以调整感光度ISO。

2、雨后，光线较暗，反差比较小，色彩饱和度低，本身就有烟雨江南的感觉，拍摄时或后期再降低一下色彩饱和度和反差，效果会更好。

朦胧其实是一种意境，只是用摄影的手法表现出来。如何拍摄出这样具有意境的朦胧美还要看这些小技巧，咱们一起来分析一下。

朦朦胧胧看清又看不清，大多数都是出现在雾气很大的清晨，这时候拍摄就是最佳的拍摄时间，尤其是太阳在升起光线照射在大地上，那种梦幻般的感觉就出来了。

不管是前期设置还是后期调整，通过降低锐度可以有效的改善画面朦胧感，建议通过后期来调整，这样不会让整个画面锐度下降，该锐的地方锐不需要的地方可以降低，营造出朦胧的感觉。

在有些时候不好碰到云雾缭绕的自然现象，可是时间有限拍摄的机会也不多，这时候可以借助烟饼来营造气氛。

一个烟饼没多少钱关键是管大事，点燃它就会起来大雾，这时候想怎么拍就怎么拍。

风光类的我们可以寻找位置来解决，拍摄人像其实也有同样的问题，人像可以通过柔光来拍摄，也可以借助道具例如***、蕾丝花边的衣服套在镜头上，对焦完成后按下快门就可以拍出朦胧的感觉。

拍摄照片的时候，如何拍摄出朦胧之美？

我们时常会看到一些作品，意境相当美，画面有一种朦胧之美。

其实画意作品、朦胧作品最佳表现题材是风光和花卉。

有些朋友会有疑问，这种朦胧的效果怎样拍摄呢？下面我们共同来交流一下。

1、拍摄时间

一般来说，朦胧之美的作品最好选择时间是早上八九点为最好，如果是阴雨天，时间就不太受限制，早起有薄雾是最好的拍摄时机。

2、特技附件

本人也拍摄过一些类似朦胧的图片，有一个特技告诉大家，就是在拍摄的镜头前加一层保鲜膜，人为营造朦胧的感觉，这个保鲜膜可以适当揉搓一下，效果也是很不错的。拍摄花卉最实用。

如下之图用M档拍摄的集体合景夜景照，看上去整张照片虽然模糊刺眼，但把照片拉大看，却有一人清晰可见。其拍摄的具体方法是，使用M档，感光度为100，快门1/10，光圈5.6，使用三角架进行拍摄。

对着照片画油画是种什么体验？

画照片是可以的，但是你一定要明确的告诉自己，最终是要摆脱照片，进入可以自由创作的状态。

画照片是一种积累，在这个过程中积累了对工具，材料的熟悉。对视觉规律的总结和提炼，如构图，结构，主次，对比，调和等等。

（图中是毕加索早年时期对写实的视觉规律的研究和积累时所作的作品）

当你在画照片的过程中积累了以上所说的内容后，加上你的人生经验和各种感悟，最终会达到运用之前练习的积累来表现一些自己想表达的内容。

（本图是毕加索熟练运用早期的积累来表现内容，核心是表现，而不是再现）

总的来说，画照片也好，写生也罢，是绘画的一种原始积累，不可不做，也不可过度沉迷，固步自封。

（毕加索在绘画的道路上不断前行，对绘画因素的不断推敲和提炼，所以说艺无止境，保持总够的好奇心和求知欲，才能走的更远。）

如果是暂时的还可以，如果一直对照片画油画会慢慢失去生动化的东西，照片的视角，细节，很多信息是不完整的，固定的，而写生在视角，构图，光线，细节等等问题上都可以做出最好的选择；画照片在构图，光线，空间，细节等方面会很受限制。

油画是摄影从一开始就持续性地蚕食和热情地剽窃，并仍在火烈敌对中与摄影共存的艺术，摄影更加还原真实但是取代不了油画。

一、自照片出现以来，画家就利用它来捕捉光影，更真实地描摹自然，维米尔、委拉斯凯兹、卡纳莱托等艺术***都使用过暗箱来***作画。20世纪初的艺术浪潮中，摄影接管了被绘画垄断的描绘现实的任务，把绘画解放出来，让绘画转而肩负其伟大的现实主义使命——抽象。

二、之后复兴的“照片写实主义”，不满足于仅仅模仿照片，而是要证明绘画能够达到一种甚至更大的逼真的幻觉。如今面对照片来绘制油画已是很普遍的现象，然而这样的做法仍然存在很多争议，归根结底，或许是因为摄影与绘画的关系太过复杂，有时极为亲密，有时又呈对抗，太多纠缠，难以厘清。关于是否应该对着照片[_a***_]一直争论不休。

三、但是我们毕竟不是专职摄影家，所以后来大量拍照片画。他是和摄影家有共性，底片和照片都呈现出来，对职业艺术家来说，其实画照片没什么，现在的情况下再也不可能花几个月去写生采风。但问题是需要有一个写生的能力。现在联考试都画照片，甚至四年艺术系读下来，没有出去写生过。

最后对油画家来说，艺术基础十分堪忧。那时候一张照片真的只是起到一种资料性的作用，只是一个绘画的借口而已，而现在，却真的依赖照片画照片了。可悲呀。

因为照片上很平面的，整体呈现比较单一，比如我们常常说某一个人脸色红润或者蜡黄，这其实一种感觉，看照片的话，我们感觉都差不多，已经没有体积和空间感的感官感受。当然了，创作之中参考照片也是很多画家常用的手段，所以同一物、景多几个照片角度会给我们更多选择。多去写生吧，写生对于绘画来说说一件很庄严的事情，也是画好画的必然途径！

对着照片画油画

虽说油画注重“写实”，但是依然有很多油画作品缺乏写实，或者很多画者对“写实”的含义模糊不清；虽然油画创作离不开“写生”，写生是一门独立的艺术，但是还是有很多画家忽视“写生”的，而是直接对着照片画油画，那么对着照片画油画是种什么体验呢？

对着照片画油画，画着画着就枯燥无味了，然后就“机械化”的描绘了。我们举个简单的例子，比如，A画家是以***模特进行创作，B画家是以***的照片进行创作，哪个画家更容易享受到创作过程中的乐趣呢？很明显，肯定是以******进行创作的A画家，

因为******的形态特征会或多或少的和画家进行眼神交流、情感交流、气氛交流、画家和***两者都是在真实空间内真实存在的，画家在创作时就会有情绪变化，线条笔触就会有轻重缓急的变化；然而，对着照片里的***进行创作的话，由于***的美貌，刚开始可能有点感觉，

但是照片毕竟是照片，照片里的***即使再美，她也无法和画家进行眼神交流，产生情感共鸣，那样的话，画家画着画着就觉得没什么意思了，手中的画笔就变的机械了，线条笔触也显得机械化，没有起伏感，那么这样的作品就缺乏情感，也没有灵魂可言，即便是这样子，依然有很多画家对着照片画油画。