旅行摄影山水教程,旅行摄影山水教程***

1. 山水摄影，怎样拍出最好的意境？
2. 国画人物，山水，为什么不能对着照片照搬照抄？

山水摄影，怎样拍出最好的意境？

拍摄山脉时要讲究构图和光线，可以选择逆光、侧逆光的角度拍摄，这样拍出来的山峦有剪影的效果，能很好的表现山峦的线条美，反之在顺光下，拍出的山峦会模糊一片而且线条不明显，另外有陪体效果会更好，比如带有云海的山景，有云的情况下，远处的山比较朦胧，而近处的山则是清晰的，这样在虚实对比下画面看起来有层次和空间感，非常好看。

拍摄水景时可以平整的水面倒映出的景象与波纹中的倒影形成虚实对此，这样画面有更多的看点，另外在拍摄水景时，可以在画面中纳入一些参照物，如小舟、礁石、栈桥等等，纳入这些参照物时要注意走向，最好向水景深处延伸，这样可以将观者的视线导向水景深处，同时增强了画面的纵深感。

山水的相互结合，可以使拍摄的画面更加迷人，漂亮！

想拍出意境，自己心中必须清楚什么是意境，因为摄影不仅需要技术，更要具备艺术鉴赏能力。没有这个能力，深入宝山⛰️也不识宝，只会两手空空，败兴而归😢。艺术鉴赏能力的培养，往往在相机📷之外，这个能力的培养，是潜移默化的，但要搞摄影，必须具备！

感谢邀请!

我在刚刚学习摄影的时候就接触的山水摄影，也叫风景摄影，拍风景摄影的主要目的就是要记录旅游时所看到美丽的自然景观，把他拍出照片，把美好的回忆保存下来。

那么，如何拍摄风景也是有方式方法的，下面，我就分享一下我个人对风景摄影的理解和分析；

1、从拍摄技法上看；

（1）慢快门拍摄；

拍摄流动的水，把相机放置在三脚架上稳住，利用慢快门速度，找准构图，就能把流动的水拍出像白色纱布一样意境的感觉；

上图是正常快门速度拍摄的瀑布，画面很普通，但构图还是比较准确的，只是把流动的水拍出了静止的状态，所以看上去没有什么意境可言；

摄影怎么拍山水，能够显得很好看？

摄影怎么拍山水，能够显得很好看，如何拍显得好看估计是仁者见仁的一个事，拍风景山水，除却摄影技术上的问题以外，就是思路和理念上的一个问题，而这个思路和理念的问题又恰恰是最难表述，最有争议的一个问题。

所以我试着抛开什么构图，用光之类的摄影基础方面，说说理念和方法。

一，写实拍摄法。

写实这个很好理解，拍山就是山，拍山就是水。

拍摄山水的时候首先要注意构图，然后要注意色调要统一，一般情况下色彩不宜多，多了不容易协调。山水最重要的是要表达一种情绪或者是一种意境，这个对初学者是很难的，通过不断的学习和磨练才能够达到。

国画人物，山水，为什么不能对着照片照搬照抄？

国画遵循的艺术规律是“妙在似与不似之间”，如果太像了，看起来就有些俗气，有谁见过把国画当做照片来画，比肩照片的绘画，那是超写实油画的事。

如果国画跟原物相差又太大，画面变形和夸张的太厉害，观者看了，又觉得被糊弄了，就像那些抽象油画，造型非常夸张，又有多少人能看懂。

所以说，国画实际上跟中国传统文化一样，遵循的是“中庸之道”，或者说是“中和思想”，画面既不画到以***乱真的极致，也不画到似是而非的粗糙，而是***取折中的审美方式，画得有几分像又有几分不像，不画得那么实在，也不画得那么虚***，让画面游走在像与不像之间，才是国画的本质。

现代画国画人物的画家，参照照片画画的还不少，最起码我身边就有不少画家这样画。他们会从不同角度把一个人物拍成好多张照片，然后挑出最有神***的一张，盯着照片一笔一画地描绘。

为了增加视觉冲击力，他们会把人物面部，***用写实手法认真刻画，眉毛，眼睛，皱纹，胡须等部位都画得跟原貌非常接近，但头部以下的身子却是大写意画法。

这种画法虽然看起来有所创新，但脸部浓墨重彩，过于精细，身子又是大写意形式，比较简洁，就使整个画面看起来有一种头重脚轻的感觉。

另外，由于毛笔和水墨的特性使然，没有油彩那么有塑性，也不容易刻画阴影效果，人物面部即使画得再精细，看起来仍然是平面化的，缺乏油画人物的立体感，整体的协调感不是那么好。

因为画是表达心灵之所见，心灵之灵韵并不是眼睛所能见的，所以，常有这种现象:当见到一种人和事，山水之景，十分激动，拍照了;当时看照片，也确实让人由衷地感叹:“真是太美了。”可过后一段时间再看，发现完全不是那么回事。为什么？当时心灵也在看，把自己见的重合在你所见的景置中。画家和摄影师同普通人的区别就在这里，画家和摄影师能分別出眼所见和心所见，能分別出景色所现和心所现，并且能用笔和相机抓住应表达的画面。而普通人不能。作画，正是这个选择过程，故名创作，所以不能照搬。即便油画也不能。另外，作画材料也限制了表达效果。

中国画的创作是展现一个艺术家艺术造诣和艺术审美的载体，中国画家在日常创作中，参考所拍摄的照片素材进行创作是可以的，也是一个十分省时省力的素材搜集方式。但艺术源于生活，必须高于生活。对所描绘的物象进行深度加工、艺术的升华和创造是创作者必须具备的基本素质和艺术水准。

由于科技水平的长足发展，数码照片已经成为了几乎所有中国画家***撷素材的重要方式。但再好的[_a***_]也只能是***功能，主要的还是要靠画家本人对所描绘物象的深度观察、揣摩、取舍和优化组合，以自己独有的艺术视角对描绘对象进行艺术再加工，将最美的以免提炼出来，通过自我对艺术的理解和艺术表现形式，将自然界美的东西展现在自己创作的作品中去，这就体现了艺术源于生活但高于生活的艺术真谛所在。

照片虽然能真实地记录物象的瞬间，但却有着很强的局限性。在你记录瞬间的同时，由于受光线、天气等自然因素的影响，其实物象本身无时不在产生着细微的变化，这些变化有时是稍纵即逝，只有画家本人通过仔细观察和深度投入，才能够发现常人无法注意的细节变化。往往就是这些细微的变化，才能够凸显艺术作品中内在的美感。

当下，有些画家在创作时越来越依赖于照片，却忽略了许多深层次的细节挖掘，造成了千人一面和“画照片”的尴尬局面。一个艺术家，如果一味地照搬或照抄照片素材，将会对其艺术创作的发展和自我突破产生巨大的障碍，很可能将自己定格在一个由自己划定的“圈子”里而无法自拔，严重制约了本身潜在的艺术创造力，对自己产生了无法弥补的影响。

以上仅为个人观点，仅供参考。（撰文：刘东方）